PHYGITAL

MATTEO MAURO

Catania, 1992

A Midsummer Night's Dream

Il lotto comprende:

Dipinto realizzato con tecnica mista e alluminio anodizzato / Painting in mixed media and anodised aluminium 60 x 60 x 0.3 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

I principali mezzi di espressione dell’artista oggi includono le tecniche di rappresentazione contemporanee che rivisitano e reinventano le metodologie tradizionali dell'incisione e della scultura. Matteo Mauro ha ottenuto riconoscimenti internazionali grazie alla sua arte caratterizzata da un'innovativa tecnologia generativa. Tra i numerosi premi vinti si annoverano il Master of Art 2018 e il prestigioso Premio Internazionale Van Gogh, conferito personalmente da Roy Dalì, il figlio di Salvador Dalì. Particolarmente celebre è la serie di opere di Mauro intitolata Iscrizioni Micromegaliche , la cui ricerca è stata raccolta in un libro (Micromegalic Inscriptions – A Rococo story of Contemporary Engravings) distribuito in tutto il mondo e realizzato con il prezioso contributo dell’ex curatore artistico del Victoria and Albert Museum di Londra, Oliver Domeisen. Nel corso del 2021, l'artista è stato riconosciuto come stella emergente nel mercato dell'arte digitale, con le sue opere esposte in importanti istituzioni artistiche come la Royal Academy of Arts, il MACS, la Triennale di Milano, il Museo Marte, il MEAM, il Museo della Fabbrica, il Dubai Design District, il Qianjiang International Art Museum, il Datong Museum e Le Salon des Indépendants. La sua arte si caratterizza per un forte interesse per l'innovazione tecnologica che interagisce con la fusione tra le arti tradizionali e le ampie possibilità che la tecnologia generativa contemporanea offre.

Artist:

The artist's main means of expression today are contemporary representational techniques that revisit and reinvent traditional methods of engraving and sculpture. Matteo Mauro has gained international recognition for his art, which is characterised by innovative generative technology. Among the many awards he has received are the Master of Art 2018 and the prestigious Van Gogh International Prize, personally awarded by Roy Dali, Salvador Dali's son. Particularly famous is Mauro's series of works entitled 'Iscrizioni Micromegaliche', the research for which has been collected in a book (Micromegalic Inscriptions - A Rococo story of Contemporary Engravings) distributed worldwide and produced with the valuable contribution of the former art curator of the Victoria and Albert Museum in London, Oliver Domeisen. During 2021, the artist was recognised as a rising star on the digital art market, with his works exhibited in major art institutions such as the Royal Academy of Arts, MACS, Milan Triennale, Museo Marte, MEAM, il Museo della Fabbrica, il Dubai Design District, il Qianjiang International Art Museum, il Datong Museum and Le Salon des Indépendants. His art is characterised by a strong interest in technological innovation that interacts with the fusion of traditional arts and the broad possibilities that contemporary generative technology offers.

Opera:

La serie “Le Quattro Stagioni” è l'ultimo capitolo del progetto artistico intitolato “Iscrizioni Micromegaliche”. Il continuo processo di ricerca del linguaggio creativo univocamente identificabile da parte di Matteo Mauro si ferma tra le pieghe delle quattro stagioni: Primavera, Estate, Autunno e Inverno. Una serie di incisioni computazionali di Arte Generativa.

L’opera celebra la variazione delle stagioni durante l’anno attraverso la forma e i colori; la ricerca dell’artista è in continua evoluzione e vuole tradurre le pratiche e le tecnologie dell'incisione nel regno digitale. Il suo linguaggio computazionale si insinua e si trasforma attraverso un processo di grande astrazione, costituito da infinite variazioni lineari e contorsioni che moltiplicano la forza delle iscrizioni tradizionali dando vita ad opere magnetiche.

The work:

The series 'Le Quattro Stagioni' is the latest chapter in the artistic project entitled 'Iscrizioni Micromegaliche'. Matteo Mauro's ongoing process of searching for a uniquely identifiable creative language stops between the folds of the four seasons: Spring, Summer, Autumn and Winter. A series of computational engravings of Generative Art. The work celebrates the variation of the seasons throughout the year through form and colour; the artist's research is constantly evolving and seeks to translate the practices and technologies of engraving into the digital realm. His computational language insinuates and transforms itself through a process of great abstraction, consisting of endless linear variations and contortions that multiply the power of traditional inscriptions, resulting in magnetic works.

FRANCESCO SCURA, IN ARTE DVRK

Bergamo, 1998

Overthinking

Il lotto comprende:

Scultura in resina / Resin sculpture 18 x 20 x 35 cm

Non - Fungible Token / Video 3D

Artista:

Francesco Scura, in arte DVRK, è un visual artist italiano riconosciuto a livello internazionale. La sua produzione artistica è rivolta alla ricerca dell'equilibrio degli elementi combinata con una forte espressione emotiva, dando vita a immagini al confine tra realtà e finzione arricchite da una raffinata attenzione per i dettagli che l’artista crea grazie ad un sapiente uso di colori vibranti e potenti contrasti. È proprio attraverso la sperimentazione di luci, ombre e giochi di luce e contrasto che DVRK ha sviluppato e definito il suo stile, unico e personale con un’attenzione particolare per l'impatto emotivo delle sue creazioni. La sua sperimentazione artistica ha contribuito a consolidare il suo ruolo nel panorama artistico internazionale

Artist:

Francesco Scura, aka DVRK, is an internationally acclaimed Italian visual artist. His artistic production focuses on the search for a balance of elements combined with a strong emotional expression, giving life to images bordering on reality and fiction, enriched by a refined attention to detail that the artist creates through the skilful use of vibrant colours and strong contrasts. It is through experimentation with light, shadow and contrast that DVRK has developed and defined his unique and personal style, focusing on the emotional impact of his creations. His artistic experimentation has helped to consolidate his role on the international art scene.

Opera:

La scultura vuole mettere in luce quella che, secondo l'artista, è l'essenza dell'uomo, colto in un istante tanto singolare quanto profondo: la facoltà di pensiero, grazie alla quale possiamo contemplare le meraviglie e l’unicità del mondo che viviamo. Un’opportunità, tuttavia, che si materializza solamente quando la nostra prospettiva e la nostra mente si elevano ad un livello tale da poterne cogliere appieno l’essenza e la bellezza.

The work:

The sculpture highlights what, according to the artist, is the essence of man, captured in an instant as singular as it is profound: the faculty of thought, thanks to which we can contemplate the wonders and uniqueness of the world we live in. An opportunity, however, that only materialises when our perspective and mind are raised to a level where we can fully grasp its essence and beauty.

GORDON BERGER

Alea Iacta Est - INFINITY series

Il lotto comprende:

Dipinto ad olio, acrilico e inchiostro UV su tela / Oil, acrylic and UV ink painting on canvas 70 x 70 cm

Non - Fungible Token / Video (3D GLB Cube)

Artista:

Gordon Berger è considerato tra i pionieri del movimento Digital Art. Con oltre un decennio di esperienza, esplora il ruolo della tecnologia come mezzo artistico e il suo impatto in un mondo contemporaneo in continua evoluzione. All'inizio del 2018 è stato il primo relatore TEDx a tenere un discorso su Digital Art e NFT presso il Museum of London. L'anno successivo, ha tenuto la sua prima mostra personale NFT a New York e da allora espone internazionalmente la sua arte. Gordon è stato tra i primi artisti al mondo a tokenizzare su SuperRare nel 2018, coniando 3 dei 100 originari token, contribuendo quindi alla nascita del primo marketplace di arte generativa su blockchain.​ Gordon ha anche creato i primi NFT mai materializzati dal digitale alla realtà fisica: le serie Solidity e Materiality . Con una formazione classica presso la Central Saint Martins University of Arts di Londra e la Belgrade School of Design, Berger ha dedicato la sua carriera a creare arte combinando algoritmi digitali con tecniche di pittura tradizionali.

Artist:

Gordon Berger is considered among the pioneers of the Digital Art movement. With over a decade of experience, he explores the role of technology as an artistic medium and its impact in an ever-changing contemporary world. In early 2018, he was the first TEDx speaker to give a talk on Digital Art and NFT at the Museum of London. The following year, he held his first solo NFT exhibition in New York and has been exhibiting his art internationally ever since. Gordon was among the first artists in the world to tokenize on SuperRare in 2018, minting 3 of the original 100 tokens, thus contributing to the birth of the first generative art marketplace on blockchain. Gordon also created the first NFTs ever materialised from digital to physical reality: the 'Solidity' and 'Materiality' series. Classically trained at Central Saint Martins University of Arts in London and the Belgrade School of Design, Berger has dedicated his career to creating art by combining digital algorithms with traditional painting techniques.

Opera:

“Alea Iacta Est” fa parte della serie “INFINITY”. L’artista con le sue raccolte artistiche (Solidity, Materiality, Infinity) si concentra sulla documentazione dell'evoluzione del movimento della Digital Art e sulla fusione della realtà fisica e digitale. Attraverso una propria interpretazione astratta, egli vuole rappresentare il significato del “essere umano” in un momento di trasformazione culturale e tecnologica così significativa. La serie 'INFINITY' esplora come la tecnologia stia ridefinendo il ruolo della creatività umana, dello stile e dell'esperienza in un nuovo mondo guidato dall’ intelligenza artificiale. Ogni faccia del cubo è generata da modelli personalizzati di intelligenza artificiale testo-immagine, addestrati esclusivamente su opere precedenti dell'artista. L'immagine generata è poi utilizzata come base per la pittura fisica su tela, chiudendo così il cerchio del processo creativo. Documentando l'evoluzione dell'arte con gli algoritmi, Berger pone domande importanti del nostro tempo e ne interpreta le risposte attraverso le sue opere.

The work:

Alea Iacta Est' is part of the 'INFINITY' series. With his art collections (Solidity, Materiality, Infinity), the artist focuses on documenting the evolution of the digital art movement and the fusion of physical and digital reality. Through his own abstract interpretation, he seeks to represent the meaning of 'being human' at a time of such significant cultural and technological change. The 'INFINITY' series explores how technology is redefining the role of human creativity, style and experience in a new world driven by artificial intelligence. Each face of the cube is generated from bespoke Artificial Intelligence text-image models trained exclusively on the artist's previous work. The generated image is then used as the basis for physical painting on canvas, closing the circle of the creative process. By documenting the evolution of art with algorithms, Berger asks important questions of our time and interprets the answers through his work.

ALYSSA STEVENS

Massachusetts, 1997

To Feel It All Once More

Il lotto comprende:

Illustrazione a penna su carta Strathmore / Pen illustration on Strathmore paper 27 x 35 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Alyssa Stevens è un'artista multidisciplinare le cui opere sono state recentemente esposte a New York, Miami, Bali, Londra e Seoul. L'energia interconnessa della vita è un tema ricorrente nel suo lavoro, che emerge nel suo stile e nel suo processo creativo. Considerando l'arte come una forma di meditazione, Alyssa ritiene che sperimentare senza vincoli o aspettative sia fondamentale per il suo processo creativo. Artista multimedia, varia tra illustrazione con penna su carta, pastello a olio, pittura ed arte digitale. Tra i suoi collezionisti figurano l'imprenditore Gary Vaynerchuk ed il mecenate delle arti digitali Cozomo de' Medici .

Artist:

Alyssa Stevens is a multidisciplinary artist whose work has recently been exhibited in New York, Miami, Bali, London and Seoul. The interconnected energy of life is a recurring theme in her work, expressed through her style and creative process. Viewing art as a form of meditation, Alyssa believes that experimenting without constraints or expectations is fundamental to her creative process. A multi-media artist, she moves between pen on paper illustration, oil pastel, painting and digital art. Her collectors include entrepreneur Gary Vaynerchuk and digital art patron Cozomo de' Medici.

Opera:

Questa illustrazione vuole trasmettere la tensione di spinta e l’attrazione tra bellezza ed oscurità, situazioni intrinseche della vita, evidenziando il profondo desiderio di sperimentare pienamente ogni sfumatura sensoriale, emotiva e percettiva della stessa, compreso il dolore. La nostalgia e la disperazione per la costante fugacità del momento presente danno forma alla realtà dell’artista.

The work:

This illustration is intended to convey the tension of drive and attraction between beauty and darkness, situations inherent to life, and to highlight the deep desire to fully experience every sensory, emotional and perceptual nuance of it, including pain. Nostalgia and despair at the constant transience of the present moment shape the artist's reality.

MARCELLO BALDARI, IN ARTE MARS

Torino, 1987

Unconscious Awareness

Il lotto comprende:

Scultura in marmo / Marble sculpture 60 x 30 x 25 cm

Non - Fungible Token/ Video 3D

Artista:

Marcello Baldari è un 3D Artist di Torino. Dal 2013 decide di concentrarsi per mettere a fuoco il proprio stile artistico, unendo due grandi passioni: la scultura digitale e la concept art. Questi due mondi, mescolandosi e contaminandosi a vicenda, hanno dato vita alla sua tecnica personale rinominata Polysketch, caratterizzate da un estremo dinamismo e sensazione di movimento agli occhi dello spettatore.

Artist:

Marcello Baldari is a 3D Artist from Turin. In 2013, he decided to focus on his own artistic style, combining two great passions: digital sculpture and concept art. These two worlds, mixing and tainting each other, gave birth to his personal technique renamed Polysketch, characterised by extreme dynamism and sensation of movement in the eyes of the viewer.

Opera:

L'opera intitolata 'Consapevolezza Inconscia' è la prima scultura in marmo realizzata dall’artista: cattura lo spirito di una guerriera scolpito ed immortalato su marmo. L'opera mostra l'attimo in cui il soggetto trova chiarezza tra i suoi pensieri e si sente in armonia con il proprio destino. Il viso sereno della donna trasmette un senso di sicurezza, come se avesse finalmente raggiunto la consapevolezza della sua autentica essenza. Attraverso la scultura in marmo, l'artista ha dato vita a un ritratto emozionale di autorealizzazione e consapevolezza.

The work:

The work entitled 'Consapevolezza Inconscia' is the first marble sculpture created by the Artist: it captures the spirit of a warrior sculpted and immortalised on marble. The work shows the moment when the subject finds clarity in her thoughts and feels in harmony with her destiny. The woman's serene face conveys a sense of security, as if she had finally achieved an awareness of her authentic essence. Through the marble sculpture, the artist has created an emotional portrait of self-realisation and awareness.

EMANUELE DASCANIO

Garbagnate Milanese, 1983

Waiting for those days

Resurrection Aurea

Il lotto comprende:

Dipinto a pastello su carta / Pastel painting on paper 40 x 56 cm

Non - Fungible Token / Video 3D (fruibile in AR)

Artista:

Emanuele Dascanio, acclamato come un virtuoso della matita, ha consolidato la propria reputazione partecipando a numerosi concorsi e mostre collettive a livello nazionale e internazionale. Emergendo come uno dei disegnatori più abili nel panorama artistico mondiale, il suo stile iperrealistico e la scrupolosa attenzione per i dettagli, uniti ad un maestoso studio della luce, conferiscono alle sue opere un realismo e un fascino complessi, oltrepassando i confini della fotografia. La sua arte affonda le radici nella realtà quotidiana, considerata da Dascanio una fonte inesauribile di studio e ispirazione. Attraverso l'esplorazione di nuovi mezzi di espressione artistica offerti dalla tecnologia, Dascanio ha amalgamato il suo passato analogico con un futuro digitale.

Artist:

Hailed as a master of the pencil, Emanuele Dascanio has consolidated his reputation by participating in numerous national and international competitions and group exhibitions. His hyper-realistic style and meticulous attention to detail, combined with a majestic study of light, give his works a complex realism and fascination that transcends the boundaries of photography. His art is rooted in everyday reality, which Dascanio considers an inexhaustible source of study and inspiration. By exploring the new means of artistic expression offered by technology, Dascanio has merged his analogue past with a digital future.

Opera:

In questa raffinata interpretazione artistica phygital a pastello mixata con il Layer 3D in augmented reality, Maddalena, emerge come un simbolo della transitorietà della purezza - una condizione breve, caduca ed effimera, ma solo agli occhi del giudizio umano. Questa figura evoca l'idea che ciò che appare irrimediabilmente contaminato può, in realtà, essere il germe di una purezza inaspettata, se solo ci si liberasse dai pregiudizi. L'opera suggerisce poi una provocazione audace: la vera prostituzione risiede nelle opinioni delle persone, sempre pronte a vendersi al miglior offerente, in un gioco di giudizi e apparenze. In questo contesto, la figura di Maddalena si trasforma in un terreno fertile, un luogo simbolico dove i pregiudizi si dissolvono, permettendo al seme del cambiamento di germogliare e di portare a frutti di incommensurabile valore. In questa metamorfosi, la polvere della condanna e del disprezzo si trasfigura in un prezioso ammasso d'oro, leggero e luminoso, simbolo di redenzione e rinascita.

L'opera multimediale NFT 1/1 intitolata Resurrection Aurea dell'artista Emanuele Dascanio è concepita come un'opera d'arte indipendente ed autonoma, ma al contempo è stata progettata per integrarsi armoniosamente con l'opera fisica Waiting For Those Days .

Quest'ultima è un disegno iperrealistico a pastello su cartone realizzato nel 2017. Tale integrazione si traduce in un'imponente opera phygital fruibile a pieno inquadrando l’opera fisica con il proprio telefono, tablet o computer (attraverso apposita applicazione).

Proseguendo l'approfondimento relativo al giudizio morale, l'opera d'arte di Dascanio, trasfigura la polvere di grafite e carbone in un'espressione artistica che in Resurrectio Aurea compie un percorso laterale ma intrinseco, trasmutando una sequenza di 0 e 1 in un'opera d'arte equiparabile all'oro. Questa trasmutazione appare evidente se esperienziata in augmented reality, quando l'NFT emerge dalla superficie del pastello Waiting For Those Days .

Questa trasformazione evidenzia la presenza di valori intrinseci, spesso nascosti dietro preconcetti, euristiche e distorsioni cognitive, i quali acquisiscono significato condiviso quando vengono adeguatamente individuati e interpretati.

Con Resurrectio Aurea , l'artista celebra il suo mindset distintivo, caratterizzato da una prospettiva olistica ed emergentista che mira a integrare in un unico contesto un network di opere, concetti ed elementi, il cui valore complessivo supera la somma delle parti

The work:

In this refined pastel phygital artistic interpretation mixed with an augmented reality 3D layer, Magdalene emerges as a symbol of the transience of purity - a brief, fleeting and ephemeral state, but only in the eyes of human judgement. This figure evokes the idea that what appears irretrievably tainted may in fact be the seed of unexpected purity, if only we can free ourselves from prejudice. The work then suggests a bold provocation: true prostitution lies in people's opinions, always ready to sell themselves to the highest bidder, in a game of judgements and appearances. In this context, the figure of the Magdalene is transformed into fertile ground, a symbolic place where prejudices dissolve, allowing the seed of change to germinate and bear fruit of immeasurable value. In this metamorphosis, the dust of condemnation and contempt is transformed into a precious mass of gold, light and shining, a symbol of redemption and rebirth.

The multimedia work NFT 1/1 entitled 'Resurrection Aurea' by artist Emanuele Dascanio is conceived as an independent and autonomous artwork, but at the same time designed to integrate harmoniously with the physical work 'Waiting For Those Days'.

The latter is a hyper-realistic pastel drawing on cardboard created in 2017. This integration results in an impressive phygital work that can be fully enjoyed by framing the physical work with one's phone, tablet or computer (through a special app).

Continuing the exploration of moral judgement, Dascanio's artwork transfigures graphite and charcoal dust into an artistic expression that in 'Resurrectio Aurea' takes a lateral but intrinsic path, transmuting a sequence of 0s and 1s into a work of art comparable to gold. This transmutation becomes apparent when experienced in augmented reality, when NFT emerges from the surface of the pastel Waiting For Those Days .

This transformation highlights the presence of intrinsic values, often hidden behind preconceptions, heuristics and cognitive distortions, which acquire a common meaning when properly identified and interpreted.

With 'Resurrectio Aurea', the artist celebrates his distinctive way of thinking, characterised by a holistic and emergent perspective that aims to integrate into a single context a network of works, concepts and elements whose total value is greater than the sum of the parts.

ELIA COLOMBO, IN ARTE GEBELIA

Magenta, 1988

Social Engineering 101

Il lotto comprende:

Stampa in alluminio / Aluminium printing 50 x 70 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Elia Colombo, artista digitale indipendente italiano, opera nel campo della Digital Art dal 2021, distinguendosi per opere vettoriali moderne, dinamiche e significative che narrano la realtà circostante. L’artista vuole, attraverso le sue produzioni artistiche, affrontare e trasmettere allo spettatore uno spunto di riflessione riguardo temi e messaggi comuni alla società moderna.

Artist:

Elia Colombo, an independent Italian digital artist, has been working in the field of Digital Art since 2021, standing out for modern, dynamic and meaningful vector works that narrate the surrounding reality. Through his artistic productions, the artist wants to address and convey to the viewer food for thought regarding themes and messages common to modern society.

Opera:

L'opera, ispirata alle considerazioni critiche di Ivan Illich, illustra il processo di indottrinamento, normalizzazione e annientamento dell'individualità nell'attuale sistema educativo. Sottolinea come l'educazione scolastica contemporanea possa soffocare l'unicità degli studenti, costringendoli ad adeguarsi a un modello predefinito di successo e realizzazione personale, limitando la loro capacità di esplorare e sviluppare interessi personali distinti.

The work:

The work, inspired by Ivan Illich's critical considerations, illustrates the process of indoctrination, normalisation and annihilation of individuality in the current educational system. It emphasises how contemporary school education can stifle the uniqueness of students, forcing them to conform to a predefined model of success and personal fulfilment, limiting their ability to explore and develop distinct personal interests.

STEFANO BOMBARDIERI

Brescia, 1968

Imprint

Il lotto comprende:

Scultura in bronzo / Bronze sculpture 62.5 x 57 x 36 cm

Scatola Olografica / Holographic Box 65 x 57 x 43.5 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Stefano Bombardieri, figlio dello scultore Remo Bombardieri, ha assimilato le sue competenze artistiche nel laboratorio del padre, sperimentando diversi materiali e tecniche. A partire dagli anni Novanta, ha esposto sia in spazi pubblici che in gallerie private, partecipando ripetutamente alla Biennale di Venezia. Oltre alle numerose mostre in tutto il mondo, il suo lavoro artistico si estende in Italia, Francia, Svizzera, Germania, Inghilterra, Grecia, Libano, USA e Dubai. Bombardieri descrive la propria produzione artistica come minimalista e concettuale, caratterizzata da un amalgama di strumenti e mezzi che spaziano dalle imponenti sculture alle installazioni video.

Artist:

Stefano Bombardieri, son of the sculptor Remo Bombardieri, acquired his artistic skills in his father's workshop, experimenting with different materials and techniques. Since the 1990s he has exhibited in public spaces and private galleries and has participated in the Venice Biennale on several occasions. His work has been exhibited in Italy, France, Switzerland, Germany, England, Greece, Lebanon, the USA and Dubai. Bombardieri describes his artistic production as minimalist and conceptual, characterised by an amalgamation of tools and media ranging from striking sculptures to video installations.

Opera:

Questa eccezionale opera d'arte comprende una versione unica e irripetibile de Il Peso del Tempo Sospeso , il rinoceronte appeso iconico dell'artista, accompagnato dal suo corrispettivo digitale.

L’opera viene presentata in maniera unica ed avanguardista: l'ologramma del NFT viene esposto in una teca realizzata artigianalmente, un'innovazione tecnologica straordinaria che completa la 'trinità artistica' di Stefano Bombardieri.

Il rinomato scultore ha collaborato con Modular Labs, collettivo leader nell'integrazione della blockchain, NFT e 3D, per trasformare una delle sue opere più celebri in un'esperienza digitale senza precedenti. Grazie a questa partnership, IMPRINT offre tre forme uniche di un unico concept artistico; l’impronta digitale dell'artista conferisce al rinoceronte fisico un valore di unicum, sancito e tracciato dal corrispettivo Non - Fungible Token su Blockchain.

L'ologramma all'interno di una teca oleografica collega magistralmente la concretezza dell'opera fisica alla sua controparte immateriale, creando un'esperienza visiva straordinaria che si adatta a qualsiasi ambiente.

La scultura fisica di IMPRINT incarna tutta la maestria dell’artista, e la teca offre uno spazio espositivo perfetto per l'ologramma dell'opera digitale.

Il Rinoceronte è metafora del concetto di peso che qui viene sospeso esattamente come spesso è sospesa la nostra vita in particolari momenti di estrema gioia o di grande dolore. L’esperienza del tempo sospeso è associata al dolore, alla paura e alla percezione di una dilatazione o, per inverso, una contrazione, dello scorrimento del tempo.

Bombardieri crea così una metafora del luogo dell’attesa e dell’isolamento, mettendo in scena ancora una volta una visione figurata.

Per la prima volta l'arte fisica e quella digitale si incontrano sotto forma di ologramma all'interno di una teca realizzata artigianalmente dall'artista.

The work:

This exceptional artwork includes a unique and unrepeatable version of 'Il Peso del Tempo Sospeso', the artist's iconic hanging rhinoceros, accompanied by its digital counterpart.

The work is presented in a unique and avant-garde manner: the NFT hologram is displayed in a handcrafted shrine, an extraordinary technological innovation that completes Stefano Bombardieri's 'artistic trinity'.

The renowned sculptor collaborated with Modular Labs, a leading collective in the integration of blockchain, NFT and 3D, to transform one of his most famous works into an unprecedented digital experience. Thanks to this partnership, 'IMPRINT' offers three unique forms of a single artistic concept; the artist's digital footprint gives the physical rhinoceros a unique value, enshrined and tracked by the corresponding Non - Fungible Token on Blockchain.

The hologram within a holographic display case masterfully links the concreteness of the physical work to its immaterial counterpart, creating an extraordinary visual experience that fits into any environment.

The physical sculpture of 'IMPRINT' embodies all the artist's craftsmanship, and the vitrine provides a perfect display space for the hologram of the digital work.

The Rhinoceros is a metaphor for the concept of weight, which here is suspended in exactly the same way as our lives are often suspended in particular moments of extreme joy or great sorrow. The experience of suspended time is associated with pain, fear and the perception of a dilation or, conversely, a contraction, of the flow of time.

Bombardieri thus creates a metaphor for the place of waiting and isolation, once again staging a figurative vision.

For the first time, physical and digital art meet in the form of a hologram inside a display case handcrafted by the artist.

BRUNO SALVATORE LATELLA, IN ARTE LBS

Reggio Calabria, 1999

L'Inverno del Demiurgo

Il lotto comprende:

Dipinto in acrilico su Gliceé / Acrylic painting on Gliceé 185 x 120 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Bruno Salvatore Latella, noto come LBS, si distingue come musicista classico e maestro delle arti visive, unendo in modo unico gli studi umanistici alla sua produzione artistica. Questa sinergia trasforma idee e visioni in opere d'arte avvincenti. Posizionandosi all'incrocio tra concettualismo, estetismo e artivismo, LBS ha rapidamente guadagnato notorietà, accumulando premi e riconoscimenti. La sua tecnica, che combina fotografia, disegno digitale, progettazione di stampe fine art e pittura, trae ispirazione da diverse correnti artistiche, creando un linguaggio visivo incisivo. Le opere di LBS comunicano un messaggio concettuale e sociale, con un profilo pedagogico che riflette la sua formazione accademica, invitando lo spettatore a confrontarsi apertamente con le sfide del mondo contemporaneo.

Artist:

Bruno Salvatore Latella, known as LBS, is a classical musician and master of the visual arts, uniquely combining humanistic studies with his artistic production. This synergy transforms ideas and visions into compelling works of art. Positioning himself at the crossroads of conceptualism, aestheticism and artivism, LBS quickly gained notoriety, accumulating awards and recognition. His technique, which combines photography, digital drawing, fine art print design and painting, draws inspiration from different artistic currents, creating an incisive visual language. LBS's works communicate a conceptual and social message, with a pedagogical profile that reflects his academic training, inviting the viewer to openly confront the challenges of the contemporary world.

Opera:

Il protagonista di quest'opera è il Demiurgo di Platone, che assume il ruolo simbolico delle sfide imposte dal destino nel contesto contemporaneo. L'artista ritrae il Demiurgo, originariamente l'architetto dell'Universo, ora relegato a un ruolo impotente di fronte alle azioni dell'Homo Sapiens. Quest'ultimo, in un processo di evoluzione verso l' Homo Deus , assume un ruolo simile al Demiurgo, dominando ed influenzando profondamente il mondo contemporaneo.

The work:

The protagonist of this work is Plato's Demiurge, who takes on the symbolic role of the challenges imposed by destiny in the contemporary context. The artist portrays the Demiurge, originally the architect of the Universe, now relegated to an impotent role in the face of the actions of Homo Sapiens. The latter, in a process of evolution towards 'Homo Deus', assumes a role similar to the Demiurge, dominating and profoundly influencing the contemporary world.

PABLO ANDRES POZO

Loja, 1990

Pizza Hall Of Fame

Il lotto comprende:

Stampa in alluminio anodizzato / Printing in anodised aluminium 100 x 140 cm

Non - Fungible Token / Infinite Zoom Art

In complementarietà con i pezzi d'arte Fisica e Digitale l'acquirente otterrà la Chiavetta USB 1/1 "Pizza Hall of Fame", per accedere alle diverse epoche della pizzeria e al materiale dietro le quinte.

Una rara chiave antica che ha viaggiato attraverso secoli, il modo perfetto per immergersi nella Pizza Hall of Fame e scoprire personaggi e sapori provenienti da tutta la galassia.

In complementarity to the Physical and the Digital artworks, the buyer will obtain the "Pizza Hall of Fame" 1/1 key pen-drive, to access the different pizzeria’s eras artwork and behind the scenes material. 

A rare and old key that has traveled trough centuries, the perfect way to dip dive in the Pizza Hall of Fame and discovery characters and flavors coming from all over the galaxy.

Artista:

Pablo Andrés Pozo è un artista digitale ecuadoriano che ha studiato architettura e illustrazione all'Università di Palermo a Buenos Aires, Argentina. Ispirato dai videogiochi, dai cartoni animati e dalla natura della sua infanzia, Pablo è considerato tra i pionieri della tecnica del super zoom contribuendo alle origini della corrente artistica definita come ‘Endless Art’. I suoi Endless Worlds hanno affascinato il pubblico di tutto il mondo, portandolo a collaborare con brand di fama internazionale tra cui Activision, Xbox, Chivas e altri. Il suo stile pittorico dettagliato è influenzato dal surrealismo del pittore fiammingo del XV secolo Hieronymus Bosch e dalle prospettive impossibili dell’incisore olandese Maurits Cornelis Escher con un tocco colorato, memoria della sua infanzia. Il suo lavoro fonde arte figurativa, narrazione e fumetti, dando vita a scene complesse collegate su scale e livelli diversi. L'artista invita gli spettatori ad interagire e decifrare il suo lavoro, riconnettendo gli adulti con il loro bambino interiore e ispirando i bambini a essere curiosi e a meravigliarsi del mondo.

Artist:

Pablo Andrés Pozo is an Ecuadorian digital artist who studied architecture and illustration at the University of Palermo in Buenos Aires, Argentina. Inspired by video games, cartoons and the nature of his childhood, Pablo is considered to be one of the pioneers of the super zoom technique, contributing to the origins of the artistic current defined as 'Endless Art'. His 'Endless Worlds' have captivated audiences around the world, leading him to collaborate with internationally renowned brands including Activision, Xbox, Chivas and others. His detailed painting style is influenced by the surrealism of the 15th century Flemish painter Hieronymus Bosch and the impossible perspectives of the Dutch engraver Maurits Cornelis Escher with a colourful touch, reminiscent of his childhood. His work blends figurative art, storytelling and comics, resulting in complex scenes connected on different scales and levels. The artist invites viewers to interact and decipher his work, reconnecting adults with their inner child and inspiring children to be curious and wonder about the world.

Opera:

Durante una guerra intergalattica a Bodegón City, una curiosa Pizzeria del centro, sede dei migliori pizzaioli della galassia, si è adattata alla difficile situazione contingente. Un viaggio a ritroso fino agli albori del tempo attraverso secoli di tradizione e sapori, ci mostra come questa pizzeria resista alla sua fama. L'opera fisica raffigura l'ingresso della pizzeria, il portale verso la sua storia di adattamento nel tempo, mentre la sua rappresentazione digitale consiste in un frammento del Endless World immaginato da Pablo, un mondo tutto da scoprire grazie alla tecnica del super zoom. Sopravvive chi riesce ad adattarsi, nonostante le difficoltà, capacità necessaria per poter godere del successo. Solo aprendosi al cambiamento è possibile cogliere al massimo le opportunità che il talento ha da offrire a ciascun individuo.

The work:

During an intergalactic war in Bodegón City, a curious downtown pizzeria, home to the best pizza makers in the galaxy, has adapted to the difficult situation. A journey back to the dawn of time through centuries of tradition and flavour shows us how this pizzeria endures its fame. The physical work depicts the entrance to the pizzeria, the portal to its history of adaptation over time, while its digital representation consists of a fragment of the Endless World imagined by Pablo, a world to be discovered thanks to the super zoom technique. He survives who manages to adapt, despite the difficulties, a necessary skill to be able to enjoy success. Only by being open to change is it possible to make the most of the opportunities that talent has to offer each individual.

PAULO VINCENT LUDWIG RENFTLE

Cremona, 1978

Singularity

Il lotto comprende:

Tecnica mista su tela / Mixed technique on canvas 38 x 48 cm (66 x 74cm con cornice antica)

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Paulo Renftle è un fotografo italiano che collabora con alcune tra le più famose riviste fotografiche del mondo, catturando soprattutto soggetti femminili, ma anche prodotti di alta moda quali automobili di alto profilo e orologi di lusso. Nel 2021 approda al mondo dei Non-Fungible Token grazie ad una collaborazione con il museo Ferruccio Lamborghini per il quale ha ritratto le sue famose Miura da collezione.

Artist:

Paulo Renftle is an Italian photographer who collaborates with some of the most famous photo magazines in the world, capturing mainly female subjects, but also high-fashion products such as high-profile cars and luxury watches. In 2021 he entered the world of Non-Fungible Tokens thanks to a collaboration with Ferruccio Lamborghini museum for which he portrayed his famous Miura collectibles.

Opera:

Al confine tra i due piani di esistenza, il tempo non si ferma, ma smette di esistere. L’artista si rivede sospeso in una dimensione ultraterrena, aggrappato a frammenti di un’antica vita futura. Seppur distante migliaia di anni, ritrova nuovamente la bellezza dove l’acqua, conduttore universale, si trasforma in luce creando un piano dove emerge nuovamente l’illusione terrena di eternità. Il lotto è composto dal quadro fisico con cornice antica e relativo NFT che ne attesta l'autenticità in maniera univoca ed inequivocabile.

The work:

At the border between the two planes of existence, time does not stop, but ceases to exist. The artist sees himself suspended in an otherworldly dimension, clinging to fragments of an ancient future life. Although thousands of years distant, he rediscovers beauty where water, the universal conductor, is transformed into light, creating a plane where the earthly illusion of eternity once again emerges. The lot consists of the physical painting with antique frame and its NFT, which unequivocally and unequivocally certifies its authenticity.

ROBERTO GIAVARINI

Calcinate, 1973

Bit Mother

Il lotto comprende:

Dipinto ad olio e tempere con tecnica brevettata / Oil and tempera painting with patented technique 65 x 73 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Non - Fungible Token / Video

Non - Fungible Token / Video 3D (fruibile in AR)

Artista:

Roberto Giavarini è uno studioso e amante dell’arte in tutte le sue forme.

Per oltre undici anni è stato allievo di Mario Donizetti, da cui apprende i segreti delle antiche tecniche pittoriche e dei pigmenti. Dipinge a tempera all’uovo, encausto, olio, tempera di gommalacca su tavole incamottate preparate con colla animale e polvere di quarzo. Non si serve dei tubetti da colorificio ma miscela personalmente i colori attraverso procedimenti antichi e metodi innovativi di sua ideazione. Nel 2017 mette a punto una tecnica pittorica innovativa su lastra trattata, consentendo così la rifrazione della luce sulla superficie del dipinto rendendolo luminoso e cangiante. Convinto che l'arte sia un solo corpo composto da diverse discipline creative, da sempre si dedica anche alla musica ed alla composizione, portando a termine nel 2022 la sua prima sinfonia in tre movimenti.

Artist:

Roberto Giavarini is a scholar and lover of art in all its forms.

For over eleven years, he was a pupil of Mario Donizetti, from whom he learnt the secrets of ancient painting techniques and pigments. He paints with egg tempera, encaustic, oil, shellac tempera on stencilled boards prepared with animal glue and quartz powder. He does not use colouring tubes but mixes the colours himself using ancient processes and innovative methods of his own devising. In 2017, he developed an innovative painting technique on a treated plate, allowing light to refract on the surface of the painting, making it luminous and iridescent. Convinced that art is a single body composed of different creative disciplines, he has also always dedicated himself to music and composition, completing his first symphony in three movements in 2022.

Opera:

L'opera rappresenta una donna con a fianco il Logo del Bitcoin ed il particolare di una vetrata di una cattedrale antica. Il nuovo dio (il Bitcoin) si relaziona con l'antico dio.

La donna si trova al centro di questo meccanismo in un cerchio d'oro come il canone vitruviano di Leonardo. Il dipinto è realizzato su tavola con molteplici tecniche,tra cui dell'encausto greco/romano, tempera all'uovo e olio (pigmenti naturali preparati artigianalmente). Alcuni particolari sono realizzati con una tecnica esclusiva, e nell'imprimitura dell'opera sono integrate fibre metalliche. Questa scelta consente la creazione di effetti di rifrazione della luce senza precedenti nell'ambito della pittura tradizionale. L'artista ha intenzionalmente fuso e contaminato le sue tecniche tradizionali con approcci innovativi di sua concezione in questa creazione. Le opere digitali sono visibili in realtà aumentata tramite cellulare o visore.

Fisico: La donna rappresenta l’umanità. Il tondo a colori rappresenta il particolare di una vetrata gotica a simboleggiare l’antico dio. Il lodo d’oro del Bitcoin rappresenta il nuovo dio dell’era contemporanea. Questi sono i soggetti ritratti dall’artista che attraverso il suo dipinto dà vita ad una complessa interpretazione Phygital. Sulla tela vi è infatti appeso un Qr Code; inquadrandolo con il proprio dispositivo mobile si può scoprire un portale attraverso il quale si accede alle opere digitali custodite nel dipinto fisico, fruibili anche in realtà aumentata.

1 Non- Fungible Token: Rappresentazione digitale in 2D del dipinto.

2 Non- Fungible Token 2D: Trattasi di un’elaborazione avveniristica del dipinto fisico: un monolite d’oro lucente, una scheda elettronica in cui l’umano si fonde con il digitale. La scritta del quadrato magico proietta enigmi ancestrali sull’intera composizione. Rappresenta l’inizio di una vera e propria metamorfosi dell’opera fisica.

3 Non-Fungible Token 3D: L’opera 3D è un lavoro di grande complessità: il dipinto fisico e l’opera digitale 2D sono sublimati in una performance tridimensionale. La donna, incastonata nel logo del Bitcoin, sboccia in un movimento in sincronia con gli anelli d’oro che formano il logo. Gli anelli ruotano, ognuno con una sua velocità e movimento, proprio come il meccanismo di un orologio che tende a scandire il tempo dell’infinito e del sublime. L’osservatore, attraverso la realtà aumentata, si trova immerso nel fluttuare degli anelli, potendo muoversi all’interno dell’opera e divenendo egli stesso co-protagonista dell’opera stessa. La donna, la madre, è al centro di uno degli anelli. L’umanità è al centro del mistero del cosmo.

The work:

The work depicts a woman with the Bitcoin Logo and the detail of a stained-glass window of an ancient cathedral at her side. The new god (the Bitcoin) relates to the ancient god.

The woman stands at the centre of this mechanism in a golden circle like Leonardo's Vitruvian canon. The painting is realised on panel using multiple techniques, including Greek/Roman encaustic, egg tempera and oil (natural pigments prepared by hand). Some details are made using a unique technique, and metal fibres are integrated into the work. This choice allows the creation of light refraction effects unprecedented in traditional painting. The artist has intentionally fused and contaminated his traditional techniques with innovative approaches of his own in this creation. The digital works are visible in augmented reality via mobile phone or visor.

Physical work: The woman represents humanity. The coloured roundel represents the detail of a Gothic stained-glass window symbolising the ancient god. The golden lode of Bitcoin represents the new god of the contemporary era. These are the subjects portrayed by the artist who through his painting gives life to a complex Phygital interpretation. In fact, a Qr Code hangs on the canvas; by framing it with your mobile device, you can discover a portal through which you can access the digital works contained in the physical painting, which can also be used in augmented reality.

1 Non- Fungible Token: 2D digital representation of the painting.

2 Non- Fungible 2D Token: It is a futuristic elaboration of the physical painting: a shining golden monolith, an electronic board in which the human merges with the digital. The inscription of the magic square projects ancestral enigmas onto the entire composition. It represents the beginning of a true metamorphosis of the physical work.

3 Non-Fungible 3D Token: The 3D work is a work of great complexity: the physical painting and the 2D digital work are sublimated into a three-dimensional performance. The woman, embedded in the Bitcoin logo, blossoms in a movement in synchrony with the gold rings that form the logo. The rings rotate, each with its own speed and movement, just like the mechanism of a clock that tends to scan the time of the infinite and the sublime. The observer, through augmented reality, finds himself immersed in the floating of the rings, being able to move within the work and becoming a co-protagonist of the work himself. The woman, the mother, is at the centre of one of the rings. Humanity is at the centre of the mystery of the cosmos.

ANNA VASSENA, IN ARTE AVVASSENA

Milano,1998

Identities 1

Il lotto comprende:

Plexiglass specchiato tagliato laser e inciso, base in legno / Laser - cut and engraved mirrored plexiglass, wooden base 30 x 40 x 2.5 cm

Non - Fungible Token / Immagine

Artista:

Avvassena è un’artista multidisciplinare con sede a Milano. Curiosità e propensione all’ascolto danno vita alla sua inarrestabile ed eclettica creatività, che si esprime in opere d’arte di molteplici livelli visivi e comunicativi. La sua pratica artistica si basa sul desiderio di andare oltre la superficie della società, per portare alla luce realtà nascoste o inascoltate. Al centro della sua ricerca vi sono le relazioni e i rapporti che tessono la nostra esistenza: il rapporto con sé stessi, spesso ipocrita e conflittuale, quello con il micronucleo che ci circonda, nella sua duplice natura di nido e gabbia, ed il ruolo di ciascuno all’interno della grande comunità umana, dove la simbiosi che ci lega l’uno all’altro contrasta con la solitudine egocentrica dei nostri tempi. La multidisciplinarietà e la sperimentazione orientano il suo processo artistico, che combina pittura, scultura, incisione e installazioni, capaci di nascondere e svelare messaggi grazie all’interazione con diversi spettri luminosi e con lo spazio circostante.

Artist:

Avvassena is a multidisciplinary artist based in Milan. Curiosity and a propensity to listen give life to her unstoppable and eclectic creativity, which is expressed in artworks of multiple visual and communicative levels. His artistic practice is based on the desire to go beyond the surface of society, to bring to light hidden or unheard realities. At the centre of his research are the relationships and relations that weave our existence: the relationship with the self, often hypocritical and conflicting, the relationship with the micro-nucleus that surrounds us, in its dual nature of nest and cage, and the role of each person within the greater human community, where the symbiosis that binds us to one another contrasts with the egocentric loneliness of our times. Multidisciplinarity and experimentation guide his artistic process, which combines painting, sculpture, engraving and installations, capable of concealing and revealing messages through interaction with different light spectrums and the surrounding space.

Opera:

IDENTITIES è una serie di impronte digitali reali, prese da diverse persone incontrate per strada e successivamente trasferite su una superficie specchiante.

L’opera riflette sul significato della nostra identità e su come essa sia in costante interazione dinamica e creativa con gli altri. La prova della nostra individualità unica è determinata dalle molteplici persone che incontriamo durante la vita, l’immutabilità dell'impronta digitale è sovvertita dai volti mutevoli che sono riflessi in noi.

The work:

IDENTITIES is a series of real fingerprints, taken from different people encountered on the street and then transferred onto a mirrored surface.

The work reflects on the meaning of our identity and how it is in constant dynamic and creative interaction with others. The evidence of our unique individuality is determined by the many people we meet throughout our lives, the immutability of the fingerprint is subverted by the changing faces that are reflected in us.

MATTEO MANDELLI, IN ARTE YOU

Merate, 1988

Callas 100

Il lotto comprende:

Schermo LCD intagliato / Carved LCD screen 55 × 34 cm

Non - Fungible Token / Video

Artista:

Matteo Mandelli, in arte YOU, è un artista performativo che esprime la sua immaginazione più profonda attraverso le sue opere, creando un regno che ancora non esiste. Ispirato agli anni Ottanta e al movimento spazialista, l'incontro con i lavori del maestro dei tagli, Lucio Fontana, è stato determinante. Mandelli apre finestre su orizzonti invisibili, sdoganando tabù attraverso una ricerca che lo porta a girare il mondo e dare voce agli ultimi. Alcune delle sue opere sono state esposte ad Hong Kong, Milano e a Venezia presso il Decentral Art Pavilion in parallelo con la Biennale di Venezia.

Artist:

Matteo Mandelli, aka YOU, is a performance artist who expresses his deepest imagination through his works, creating a realm that does not yet exist. Inspired by the 1980s and the Spatialist movement, his encounter with the works of the master of cuts, Lucio Fontana, was decisive. Mandelli opens windows onto invisible horizons, clearing taboos through research that leads him to travel the world and give voice to the last. Some of his works have been exhibited in Hong Kong, Milan and in Venice at the Decentral Art Pavilion in parallel with the Venice Biennale.

Opera:

Callas 100 rappresenta la celebrazione di un artista che ha elevato l'opera al regno del divino. È una sinfonia visiva, un inno alla sua eredità e un promemoria senza tempo del profondo impatto che una voce può avere sul mondo.

Trattasi di un'interpretazione creativa nata dal profondo dell'ammirazione e della riverenza dell’artista per il leggendario soprano d'opera, Maria Callas, in occasione del centenario della sua nascita. Questa produzione artistica vuole rendere omaggio alla bellezza senza tempo, al talento senza pari e all'influenza della donna conosciuta come La Divina.

Ogni dettaglio vuole catturare l'essenza del talento artistico e del carisma della protagonista. Il ritratto vuole irradiare lo spettatore con lo stesso magnetismo accattivante che l'ha resa una sensazione operistica per generazioni. Ogni nota da lei cantata, ogni personaggio da lei interpretato, è racchiusa nell'armoniosa fusione di sfumature, contorni e colori vibranti.

The work:

Callas 100 is a celebration of an artist who elevated opera to the realm of the divine. It is a visual symphony, a hymn to her legacy and a timeless reminder of the profound impact a voice can have on the world.

It is a creative interpretation born out of the artist's deep admiration and reverence for the legendary opera soprano, Maria Callas, on the occasion of the centenary of her birth. This artistic production pays tribute to the timeless beauty, unparalleled talent and influence of the woman known as La Divina.

Every detail is meant to capture the essence of the star's artistic talent and charisma. The portrait wants to radiate the viewer with the same captivating magnetism that has made her an operatic sensation for generations. Every note she sang, every character she played, is encapsulated in the harmonious fusion of nuances, contours and vibrant colours.

ANTONIO MONTAGNANI

Tivoli, 1994

Instances

Il lotto comprende:

Stampa in plexiglass / Plexiglass printing 50 x 70 cm

Non-Fungible Token / Immagine

Artista:

Bizzarro è un 3D e motion designer di Roma. Appassionato di arte tradizionale e digitale, ed ispirato dall’ambiente architettonico ed artistico romano, ha fatto della sua sensibilità sulla condizione sociale una motivazione artistica, a volte surreale, a volte vuota e scarna. Bizzarro è un giovane artista e spesso si riconnette con il proprio vissuto da bambino. Proprio quel bambino che nessuno voleva perché era considerato strano, una condizione che lo spingeva a restare in silenzio in disparte, sfruttando questo tempo per indagare nell'animo degli altri, senza bisogno di chiedere. Ma è anche quello stesso bambino che ha imparato a camminare e a scoprire il mondo con curiosità.

Artist:

Bizzarro is a 3D and motion designer based in Rome. Passionate about traditional and digital art and inspired by the architectural and artistic environment of Rome, he has turned his sensitivity to social conditions into an artistic motivation, sometimes surreal, sometimes empty and naked. Bizzarro is a young artist and often recalls his own experience as a child. The same child that no one wanted because he was considered strange, a condition that led him to remain silent in the background, using this time to explore the souls of others without having to ask. But he is also the same child who learned to walk and discover the world with curiosity.

Opera:

Instances è una rappresentazione del concetto degli stati delle emozioni. La figura centrale, che sembra essere una donna, appare come se stesse esplorando o liberando una serie di maschere che fluttuano sopra di lei. Il fatto che le maschere siano sospese e controllate da una mano esterna indica che le nostre emozioni sono spesso influenzate da forze esterne o che possono essere cambiate e scambiate, non appartenendo in modo permanente a noi stessi. L'opera esplora l'idea che le emozioni possono essere separate dal sé personale e osservate da una prospettiva esterna, suggerendo che esse fluttuano nella nostra esperienza collettiva, piuttosto che essere proprietà esclusiva dell'individuo. L'uso del surrealismo enfatizza questa dissociazione, invitando lo spettatore a riflettere sulla natura fluida e a volte effimera delle emozioni umane.

The work:

Instances is a representation of the concept of emotional states. The central figure, who appears to be a woman, appears to be exploring or releasing a series of masks suspended above her. The fact that the masks are suspended and controlled by an external hand suggests that our emotions are often influenced by external forces, or that they can be changed and exchanged and are not permanently ours. The work explores the idea that emotions can be separated from the personal self and observed from an external perspective, suggesting that they float in our collective experience rather than being the exclusive property of the individual. The use of surrealism emphasises this dissociation and invites the viewer to reflect on the fluid and sometimes ephemeral nature of human emotion.

PIETRO MARELLI, IN ARTE PITMARELS

Cantù, 1996

This Is Not Caravaggio

Fake Machine

Il lotto comprende:

Dipinto a tecnica Sticking Detach su supporto retroilluminato / Sticking Detach painting on backlit support 50 x 50 cm

Non - Fungible Token / Video 3D realizzato in collaborazione con Adriano Lombardo / 3D video made in collaboration with Adriano Lombardo

Artista:

Pitmarels, pioniere della tecnica Sticking Detach, attraverso la fruizione degli stickers come medium principale della sua produzione, crea immagini che pongono al centro del suo lavoro il concetto di falsa apparenza. Le sue opere, infatti, possono e devono essere lette cambiando continuamente prospettiva. Partendo da una visione d’insieme, dove l’opera si mostra nella sua interezza, si arriva ad una visione più ristretta dove emergono tutti i dettagli che la costituiscono. Il concetto di falsa apparenza, approfonditamente studiato, riflette la presenza pervasiva di questa tematica nella vita quotidiana. L’artista sceglie l’adesivo come forma espressiva e personale cifra stilistica, diventando il suo pennello, la sua tela e il suo colore.

Adriano Lombardo nato a Milano il 24 aprile 1990, laureato con lode all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, si distingue come un artista visivo che esplora con profondità le interazioni tra uomo, tecnologia e ambiente. Le sue opere, quali Interconnection e Sincronie Cerebrali , rappresentano fusioni innovative tra arte e scienza, offrendo esperienze coinvolgenti e all'avanguardia.. La sua ricerca artistica offre una prospettiva unica sulle interazioni complesse che compongono la realtà, continuando a ispirare e a sfidare il pubblico con esempi significativi di innovazione artistica contemporanea.

Artist:

Pitmarels, a pioneer of the Sticking Detach technique, uses stickers as the main medium of his production to create images that place the concept of false appearance at the centre of his work. His works, in fact, can and must be read by constantly changing perspective. Starting from an overall view, where the work is shown in its entirety, one arrives at a narrower view where all the details that constitute it emerge. The concept of false appearances, studied in depth, reflects the pervasive presence of this theme in everyday life. The artist chooses the sticker as his form of expression and personal stylistic signature, becoming his brush, his canvas and his colour.

Adriano Lombardo was born in Milan on 24 April 1990 and graduated with honours from the Brera Academy of Fine Arts in Milan. He stands out as a visual artist who deeply explores the interactions between man, technology and the environment. His works, such as 'Interconnection' and 'Sincronie Cerebrali', represent innovative fusions of art and science, offering immersive, state-of-the-art experiences. His artistic research offers a unique perspective on the complex interactions that make up reality, continuing to inspire and challenge audiences with significant examples of contemporary artistic innovation.

Dipinto:

This is Not Caravaggio racchiude tutto il processo di sperimentazione dell’artista. Gli stickers che compongono ogni suo lavoro rimandano immediatamente al simbolo della Chiquita, ma una volta osservata l’opera da vicino si scopre il vero adesivo, privo di identità, dove si legge la scritta Caravaggio. L’artista fruisce di una provocazione consapevole, mediante la quale ha voluto rappresentare Davide con la testa di Golia (Giovanni Lanfranco) sebbene da lontano l’opera appare come se fosse un quadro di Caravaggio. Osservando l’immagine più da vicino appare una costellazione di adesivi che alimentano una ricercata illusione. Al contempo, sebbene la scritta all’interno di ogni singolo adesivo sia la medesima, i soggetti presenti al suo interno variano, con l’intento di invitare lo spettatore a porsi delle domande e a creare un individuale percorso estetico ed interiore.

Non - Fungible Token:

Fake Machine nasce dalla collaborazione dei due artisti Pitmarels e Adriano Lombardo che hanno sentito la necessità di indagare il passato mediante una chiave futurista. Partendo dal concetto di falsa apparenza di Pitmarels e dalla rivisitazione delle iconografie del passato attraverso l'uso dello sticker, si arriva alla creazione di un soggetto che assume le sembianze di un cyborg all'interno di un contesto reale quanto fantascientifico. L'opera invita lo spettatore a tuffarsi in una dimensione ricca di pathos e pone delle forti riflessioni sul labile confine tra uomo e macchina, fisico e digitale, realtà e apparenza.

Painting:

This is Not Caravaggio encapsulates the artist's entire process of experimentation. The stickers that make up each of his works immediately refer to the Chiquita symbol, but once the work is observed up close, one discovers the real sticker, devoid of identity, where the words Caravaggio can be read. The artist uses a conscious provocation, by which he wanted to represent David with the head of Goliath (Giovanni Lanfranco), although from a distance the work appears as if it were a Caravaggio painting. Observing the image more closely, a constellation of stickers appears, feeding a deliberate illusion. At the same time, although the writing inside each sticker is the same, the subjects within it vary, with the intention of inviting the viewer to ask questions and create an individual aesthetic and inner journey.

Non - Fungible Token:

Fake Machine is the result of a collaboration between two artists, Pitmarels and Adriano Lombardo, who felt the need to explore the past through a futuristic key. Starting from Pitmarels' concept of false appearances and revisiting the iconographies of the past through the use of stickers, they arrive at the creation of a subject that takes on the appearance of a cyborg in a context that is as real as it is sci-fi. The work invites the viewer to plunge into a dimension rich in pathos and poses strong reflections on the blurred boundaries between man and machine, physical and digital, reality and appearance.